Un inedito di produzione locale tra devozione, simbolo e storia
di Marcello Gaballo
Dai depositi della chiesa matrice di San Giovanni Battista a Parabita il parroco don Santino Bove Balestra ha fatto riemergere una tela settecentesca finora sconosciuta, un olio su tela di discreta qualità, frutto quasi certamente di una committenza locale e devozionale. L’autore rimane anonimo, ma l’opera, , di dimensioni pari a cm 113×85, pur con alcuni limiti compositivi e anatomici, offre un’interessante testimonianza della cultura iconografica mariana del territorio tra Seicento avanzato e pieno Settecento.
La scena raffigura l’Immacolata Concezione secondo una formulazione iconografica complessa e ricca di riferimenti simbolici. La Vergine si staglia tra fitte nubi, sospesa in uno spazio celeste che avvolge e isola la figura. Indossa una tunica che in origine doveva essere bianca, oggi alterata dai depositi del tempo, ed è avvolta da un ampio manto azzurro, colore tradizionale della sua purezza e della sua regalità. Sul capo porta un velo leggero, le cui estremità svolazzanti dietro la nuca accentuano l’idea di un movimento lieve e soprannaturale. Un’aureola luminosa circondata dalle dodici stelle – conforme alla descrizione apocalittica della mulier amicta sole (Ap 12,1) – cinge il volto della Vergine e richiama direttamente il suo ruolo di donna gloriosa e immacolata.
Alla base della figura mariana compaiono gli attributi inconfondibili dell’Immacolata Concezione: la falce di luna e il serpente, il cui capo è schiacciato dal piede destro di Maria. La luna crescente riprende il testo dell’Apocalisse, mentre il serpente richiama la profezia della Genesi, nella quale la donna è destinata a schiacciare la testa del tentatore. L’insieme colloca l’immagine pienamente entro la tradizione iconografica dell’Immacolata, non in quella dell’Annunciazione né di altre devozioni mariane presenti nella Matrice (come la Madonna del Carmine), fatto che conferma come la tela non provenga da uno degli altari storici della chiesa.
La composizione è arricchita da una folta presenza angelica. Intorno al volto, tra le nubi più alte, cherubini dalle guance rosee fanno capolino tra le nubi, esprimendo con l’innocenza dei loro tratti la purezza e la gloria mariana.
Nella parte inferiore della scena si trovano due angeli di maggiori dimensioni: quello alla destra di chi osserva è raffigurato nell’atto di sollevare uno specchio rivolto verso Maria, dettaglio iconografico raffinato e tutt’altro che comune nella produzione locale. Lo specchio è infatti uno dei segni più eloquenti dell’Immacolata: richiama il titolo mariano speculum sine macula, “specchio senza macchia”, attributo che sottolinea la purezza assoluta della Vergine e la sua capacità di riflettere senza ombra la luce divina. Nella tradizione cristiana lo specchio è simbolo di purezza, verità e rivelazione: come oggetto che riflette la luce, allude alla perfezione spirituale di Maria; come superficie che rimanda un’immagine, indica la sua identità di “vaso spirituale” in cui si riflette Cristo; come strumento di svelamento, rende visibile il mistero della divina maternità. L’angelo, orientando lo specchio verso di lei, rende visibile questo mistero teologico e celebra la perfezione spirituale della Madre di Dio.
Un ulteriore elemento di interesse riguarda lo stato conservativo e la struttura attuale della tela: come ha opportunamente osservato l’amico Matteo Milelli, che ancora una volta ringrazio per la preziosa collaborazione e per le fotografie fornite, l’attuale configurazione del dipinto lascia supporre una mutilazione, forse avvenuta nel corso di un riadattamento dell’opera o in occasione di un restauro non documentato. L’angelo in basso a destra mostra infatti un lembo del mantello troncato, mentre quello in basso a sinistra sembra indicare qualcosa che un tempo occupava il margine inferiore e che oggi non esiste più: forse un cartiglio con un’iscrizione devozionale, un’invocazione o, più probabilmente, il nome del committente. La mutilazione della tela, che verosimilmente ha alterato la composizione originaria, aggiunge un elemento di mistero alla storia dell’opera, il cui recupero consente comunque di restituire alla comunità parabitana un frammento significativo della propria tradizione iconografica e della devozione mariana radicata nei secoli.
Dal punto di vista stilistico l’opera rivela una mano discreta ma non pienamente matura. La figura della Vergine presenta un tronco insolitamente tozzo, con proporzioni che appaiono talvolta rigide. L’impostazione delle gambe è poco equilibrata e mostra qualche incertezza anatomica, soprattutto nella resa del piede che schiaccia il serpente e nell’orientamento dell’arto controlaterale. Anche il modellato del volto e delle mani suggerisce un pittore di formazione locale, probabilmente attivo nel contesto rurale o piccolo-urbano del territorio, più avvezzo alla produzione devozionale che alle grandi committenze di bottega. La resa dei panneggi, pur corretta, manca di profondità e dettaglio, e il cromatismo generale riflette una tavolozza semplice, basata sull’alternanza tra l’azzurro del manto e il bianco della tunica.
La provenienza della tela resta incerta. È possibile che provenisse da un ambiente confraternale o da un oratorio ormai scomparso, oppure da una committenza privata successivamente confluita nei depositi della Matrice. La sua assenza dagli altari principali dedicati all’Annunciazione e alla Madonna del Carmine, ma anche le misure, conferma che non fu concepita per un altare maggiore o per una cappella ufficiale, ma forse per un ambito devozionale più circoscritto.
Nonostante ciò, l’opera conserva una sua forza espressiva. Il gioco delle nubi, la luminosità dell’aureola e la presenza dello specchio generano un equilibrio iconografico di sicuro interesse, che testimonia come anche in ambito periferico si ricorresse a simboli teologicamente colti e non banali. L’Immacolata qui rappresentata è la “Donna vestita di sole”, pura e senza macchia, riflesso perfetto della grazia divina che la avvolge.